Репортаж о мастер-классе «Городской пейзаж с Сергеем Лысым в авторской технике От тёмного к Свету»

30 сентября - 1 октября мы нарушали все правила акварели, давая материалу раскрыться и зазвучать по-новому. Художник-акварелист Сергей Лысый познакомил участников двухдневного мастер-класса со своей необычной техникой. Направлял, поправлял, давал рекомендации. Необыкновенный, новый опыт. Конечно, это надо видеть. А лучше быть частью акварельного представления.

К мастер-классу я чувствовала себя подготовленной. Главным образом, готовилась удивляться. Просмотрев несколько видео, где можно примерно понять методы работы Сергея(особенно ценная демонстрация на фестивале Фабриано - 40 увлекательных минут, кажущейся лёгкости) знала, что вообще не понимаю акварель. Ну как может работать такая дикость? Не лессировки слой за слоем, не живопись по-сухому, не мокрым по мокрому… а нечто очень специфическое, очень своё.

Большую часть работы художник проводит до того, как берётся за кисть. Найдя сюжет, он очень много размышляет о том, какими средствами его рассказать. Несмотря на опыт и сильную базу, перед написанием каждой своей картины Сергей тренирует мышцы насмотренности, ищет “а как это сказано у великих”. Вдохновляется картинами знаменитых мастеров акварели, это: Джозеф Збуквич, Станислав Золадз, Альваро Кастаньет.

У каждой картины должны быть “глаза”. Художник тщательно продумывает, как будет идти направление взгляда зрителя. За что зацепится зрение. Ведь акварель должна чем-то зацепить, остановить рядом с собой. На помощь приходят направляющие лучи, явная перспектива. Как ляжет свет, какое у него направление, что существенно, чем можно пожертвовать, как строить композицию кадра, с какой точки смотреть… Так постепенно появляется “лицо” картины. Сюжет должен погружать зрителя внутрь изображения.

Сергей не любитель излишней детализации, подробного, досконального, фотографичного изображения. “Рюшечки” - его определение такого творчества. Возле такой картины он не остановится сам, поэтому такие не создаёт. Детали дают излишнюю информацию и никакой пищи для ума. Без “глаз” картина не работает, сколько её не мучай.

Когда идея есть, появилось примерное представление, художник прибегает к использованию чёрно-белой фотографии. Это очень хорошее подспорье, помогает гораздо лучше понять и разложить по тону сцену.

Сам Сергей пишет картины единым порывом, этому же хотел научить и нас. Поймать, почувствовать это потоковое состояние. Проработать головой и отпустить кисть свободно воплощать задуманное. “Всё очень просто, на самом деле” - говорит Сергей. При этом он не лукавит, так он сам чувствует. А мы возвращаем глаза в орбиты, стараясь осмыслить, что нам вообще делать после его демонстраций.

Два дня - две картины. На первой достаточно романтический и узнаваемый сюжет: канал Венеции, мостик, гондольер(байдарочник - настаивает Сергей). На второй - рыбный рынок Венеции(с крейзи крышей, по словам художника) - достаточно известный и тиражируемый художниками-акварелистами сюжет.

Для лучшего погружения в технику, Сергей заранее набросал на желтоватой бумаге Sanders для каждого участника композицию сцены. Так что можно было не сетовать на кривые руки, пляшущие дома и спокойно повторять всё, что видим.

Начинаем с резерва для акварели. Его лучше наносить палочкой, живой линией, хорошо использовать тем, что остаётся от кисти, когда она теряет волоски. Если где-то ошиблись с резервом, удалять его можно только после полного высыхания.

Подбирая цвета для картины, художник пользуется цветовым кругом. Выбирает дополнительные или противоположные цвета.

Сергей работает синтетическими кистями Kolibri, они не набирают слишком много воды, это важно при его технике. Причём, не берёт очень большие номера кистей, предпочитает 10, 12, 14, он работает диагональными штрихами и таким удивительным образом наполняет большую картину. Кисти от такого неделикатного обращений долго не живут, отдают себя искусству до конца.

Художник, по его собственному выражению, использует краски с дикими цветами. Но никогда не кладёт чистый цвет. Свои краски он гасит прибелёнными цветами: лавандовый, неаполитанский, horison blue. Можно для этих же целей использовать гуашевые белила, но это более долгий путь. Трудно толком сказать, какие цвета мешает Сергей для своих колеров. Проведя предварительную аналитическую работу, он уже представляет какой цвет ему нужен и только воспроизводит задуманное. Художник готовит несколько густых колеров, по консистенции как молоко. Эта часть работы тоже отнимает много времени. Для иной большой картины художник готовит штук 50 блюдец, обставит ими всё рабочее пространство, и, только когда всё готово, приступает к письму. Вот здесь уже “всё очень просто”. Работает бумага, вода. В руках мастера, когда движения отточены, контролируемый хаос рождает нечто очень эффектное.

К бумаге, в итоге, художник относится более бережно, стараясь сделать всё одним слоем, минимизируя касания.

Начинает он с самых тёмных мест. Кисть вытирает полотенцем, не допускает лишней воды. Самым тёмным, близким к чёрному, колером намечает окна, тёмные падающие тени. Ждёт, пока краска перестанет блестеть и льёт по ней подготовленные светлые колеры. Льёт - это буквально. Тут очень важен угол наклона планшета, возможность воды стекать. Часть тёмного колера смывается светлым. Это очень красиво - где-то краска схватилась с бумагой, а где-то свободно потекла. Результат трудно предсказать, просчитать. Поэтому каждое повторение картины(а Сергей часто повторяет их, разбирает, ищет, что можно улучшить) не похоже не предыдущую версию.

Словесные комментарии художника неподражаемы и заслуживают отдельного упоминания. Так, участники мастер-класса многократно “схлопнули” мостик. Всё течёт, всё двигается, проявляется непредвиденными эффектами. Детали теряются, но при этом сюжет остаётся абсолютно читаемым… Где-то добавляем направляющие лучи, выбирая мокрую краску карточкой или линейкой.

Интересный эффект получается, если остановить движение текущей акварели мощным потоком горячего воздуха. Как на картине Сергея, где просто остановившееся течение воды само создало сосульки на зимнем пейзаже.

В первый день картина по задачам была более простая, но почему-то вторая пошла легче, даже без обеденного перерыва. Поддавшись харизме мастера, мы забыли обо всём и только ловили движения, запомнить, законсервировать в памяти, как это вообще делается.

Перед финишем проходимся меламиновой губкой по резерву, чтобы эти места не смотрелись дырками. Стираем резерв, в местах, где белый лист режет глаз, просто мокрой кистью размываем их с фоном.

Приём действительно авторский. При освоении открывает новые горизонты. Имея его в копилке секретов, получаешь возможность показать практически всё, было бы что показать. На первых порах трудно, поэтому Сергей поправлял наши работы своей рукой. Его целью было обучить. И многократное повторение - хороший путь. Так приём вписался в наши границы нормы. Если даже и не применять его буквально, наши технические возможности, он явно обогатил. И, конечно, шанс написать большую картину с высокой скоростью - нечто потрясающее.

Многие участники, ещё до окончания мастер-класса, начали спрашивать когда планируется следующий. Кто-то почти готов сорваться с места и остановиться в Клайпеде на пару недель, иметь возможность творить бок о бок с художником. Очень интересное, обогащающее мероприятие. Из разряда тех, что можно смело предлагать, в любой дозировке.