11. Делайте штудии сложных предметов.
Хотя каждый новый скетч, в какой-то мере, требует заново изучать предмет, многие вещи на Ваших эскизах могут содержать общие элементы. Плохая новость в том, что эти сложные элементы, как правило, трудно рисовать.
Волосы, складки ткани, листва, кора дерева, стекло, мех, перья и руки — это предметы, которые появляются снова и снова в набросках предметов и неудобно детально изучать их каждый раз.
Интернет полон руководств «как рисовать лучше», показывающих методы изображения многих из этих сложных предметов. Они могут стать хорошей отправной точкой и улучшить Ваши скетчи. Тем не менее, они не позволяют создавать собственные уникальные стили скетча, которые хорошо сочетаются с вашим вкусом и видением объектов.
К счастью, мы снова обнаруживаем, что художники на протяжении всей истории искусства приходили к одному решению — необходимости штудий.
В штудии основное внимание уделяется конкретному объекту, человеку, части тела или чему-то ещё, чему Вы хотели бы уделить внимание и готовы изучать. При выполнении штудии нарисуйте объект под разными углами, при разном освещении или, как в этом исследовании подушки Альбрехта Дюрера, придавая объекту разные формы.
Штудии — это простор для экспериментов. Попробуйте различные типы линий и методы тонирования, пока не получите тот способ рисования, с которым вам удобно, который, как Вы считаете, выглядит хорошо.
После этого, в следующий раз, Вы сможете опираться на полученные знания, когда в эскизе появляется сложный объект или текстура. Вы также можете сохранить свои зарисовки для использования в качестве справочного материала для будущих рисунков.
Штудии часто исполняются художниками как «пробники» для окончательных работ, в которых они могут практиковаться и экспериментировать с композициями и частными особенностями.
Главная мысль:
Если какой-то объект кажется Вам сложным для рисования, делайте штудии, изобразите его с разных точек зрения и с различным освещением, чтобы найти лучшую технику.
12. Скетчи в цвете.
До этого мы рассматривали только тональные эскизы, которые обозначают только свет, тени и форму. Добавление цвета к счетчу открывает целый мир новых возможностей. Но потенциально делает задачу намного более сложной.
Настолько сложной, что художник Джон Рёскин выступал за то, чтобы держать цветные краски от детей подальше, до тех пор, пока они не начнут рисовать как следует. Он говорил, что «если он просто пачкает бумагу бесформенными пятнами, ящик с расками можно отнять, пока не станет рисовать лучше».
Мы не выступаем за такой радикальный взгляд, как у г-на Рёскина, но стоит кое-что знать о том, что Вы делаете, прежде чем начнёте рисовать с помощью цвета.
Первый шаг — спросить себя, почему Вы хотите сделать эскиз в цвете. Одной из причин может быть, что Вы хотите быстро захватить цвета в сцене, подобно тому, как карандашный или чернильный наброски быстро захватывает форму, как в полевом эскизе ниже, художника Джозефа Мэллорда Уильяма Тёрнера.
Мазки Тернера могут быть беспорядочны, но его цвета точны — он смешивает очень специфические голубые, желтые, красные и серые, чтобы показать, как тонко цвет меняется по всему ландшафту. Светлые контуры зданий и гор, которые составляют пейзаж, были нарисован светло-серой краской, но главной целью картины являются цвета и их взаимодействие.
Самый простой способ рисования на пленэре — купить акварельный набор — акварели компактны, универсальны и могут использоваться в любое время с небольшим количеством воды. Практикуйте методы живописи и старайтесь сосредоточиться на разных градациях цвета в изображении, а не на его точной форме.
Художник Пол Ньюлендс часто делает акварельные эскизы на пленэре, которые служат ему вдохновением для картин, которые он потом пишет в студии. Посмотрите на его работы, чтобы вдохновиться тем, как отличный акварельный эскиз может дать отправную точку для студийной картины.
Другой способ работы с цветом — построить линейный чертеж и заполнить его цветом.
Как описывает Стивен Фартинг: «Если графичные линии — это скелет, то цветной рисунок — это сглаженный, дополненный образ».
Он начинает работу с легкого карандашного эскиза, а затем медленно, послойно вводит цвет. Сначала цвет кладётся прозрачным слоем, чтобы заполнить цветом всё пространство изображения, затем более темные и более сильные цвета медленно накладываются сверху. В самом конце, самый яркий свет может быть добавлен при помощи белой краски, а пятна высококонтрастного цвета добавляются сухой кистью без смешивания.
Технику введения цвета в скетч можно увидеть на этой картине шотландского художника Артура Мелвила, который сделал большую часть своей работы акварелью.
Вы можете видеть, что левая верхняя часть арки была слегка намечена карандашом. Затем картина была покрыта разбавленными отмывками коричневой краски, которые медленно, послойно нарастают и становятся все более темными. Это создает глубину и тени на изображении.
Светлый квадрат был преднамеренно оставлен в процессе отмывки(возможно, с использованием маскирующей жидкости), для создания резкого контраста, обозначающего квадратное окно в конце туннеля.
Цветная краска наносится более водянистыми, нечеткими штрихами на заднем плане и более точными и сухими на переднем плане, особенно на оранжевом фоне, стоящем на первом плане композиции. Наконец, основные моменты, такие как яркий зеленый цвет шляпы в крайнем правом углу изображения, добавляются для создания ярких контрастов.
Обратите внимание, что изображение все еще «незавершенное» — весь цвет сосредоточен на важных частях композиции, в то время как все его объекты(например, зеленые перила в верхней части рисунка) лишь слегка обозначены. Это создаёт прекрасный эффект цветного скетчинга.
Главная мысль:
Научитесь тому, как делать цветные скетчи на пленэре, как писать послойно и использовать маскировку акварели, чтобы улучшить карандашный эскиз.
13. Делайте скетчи как дизайнер
Промышленные дизайнеры делают скетчи будущих изобретений, чтобы исследовать и детально рассмотреть свои идеи. Обдумать продукты, которых еще не существуют, но которые можно спроектировать и воплотить в жизнь.
Эскизы промышленного дизайнера должны быть очень точными в вопросах размера и формы. Этот стиль эскизов начинается с изучения того, как рисовать геометрические фигуры, такие как: кубы, сферы, конусы и цилиндры, — и сочетать их вместе для создания более интересных и сложных фигур.
Такая точность необходима, потому что, если правильная форма продукта была потеряна в пользу красоты изображения, это приведёт невозможному объекту, который не сможет создать ни один инженер.
Это означает, что даже если Вы не планируете разрабатывать свою собственную технику, методы скетча промышленного дизайна заслуживают изучения из-за их точности и внимания к геометрической форме.
Часы на рисунке выше были построены из основных геометрических фигур, на которые наложили цвет, чтобы сделать их изображение реалистичным.
Профессор по дизайну промышленной среды в TU Delft, Коос Ййсен, выступает за то, чтобы рисовать объекты из жизни, разбивая их на фигуры или визуализировать воображаемые, реалистичные продукты для будущего создания используя точные геометрические формы.
У промышленного скетча также есть своя техника, которая отличает его от художественного скетча. Техника включает в себя эскиз с различным нажимом ручки, затенением цветными маркерами и цифровое рисование с помощью планшета.
К счастью, промышленные дизайнеры делятся своими секретами, и есть множество обучающих видеороликов, которые могут обогатить Вашу технику, пустив в прекрасный мир дизайнерского скетчинга.
Главная мысль:
Промышленный скетчинг очень отличается от художественного, но Вы можете значительно обогатить свою технику, пользуясь приёмами построения форм и обозначения объёма.
14. Создайте персонаж
Еще одна особенная область скетчинга — это дизайн персонажа. Это необходимо иллюстраторам, карикатуристам и аниматорам для создания уникальных персонажей с выраженной индивидуальностью.
Скетчинг персонажей направлен не на точность или правдоподобность, он важен для создания истории и эмоций, которые можно изобразить через персонажа.
Диснеевские аниматоры Дэн Повенмаер и Джефф «Swampy» Марш советуют начинать рисовать персонажа, постоянно практикуясь в разных типажах и стилях до тех пор, пока не родится дизайн, который вызывает какую-то эмоциональную связь. После этого можно повторить этот персонаж и дополнить в повторном рисунке.
«Изобразите какой-то характер, который хорошо знаете, — знаете, что он будет делать, что он скажет в любых обстоятельствах», — говорит Повенмаер.
Существенная часть создания персонажа — убедиться, что он полностью охвачен. Это означает, что, даже когда персонажа видят под другим углом, в разных одеждах или с разными жестами, он все равно должен распознаваться как один и тот же персонаж.
Художник и иллюстратор Джомана Медлей рекомендует создать «каталог» функций для каждого из Ваших персонажей, которые их определяют (например, у одного персонажа может быть округлый лоб, перевернутый нос и высокая линия волос, тогда как отличительные черты другого — длинный, тонкий нос и высокие скулы) и практиковать их рисование со всех сторон.
Иллюстратор и аниматор Гал Шкеди советует использовать фотографический справочный материал, чтобы помочь себе в создании персонажей. Он использует фотографии людей, которых считает интересными, а также находит вдохновение в фотографиях животных и даже микробов и бактерий!
Как и в любом скетчинге, дизайн персонажей требует ежедневной практики. Джефф Марш описывает себя как «непрестанно дудлящего» и признается, что некоторые из его самых успешных персонажей появились, когда он просто рисовал для удовольствия.
Главная мысль:
При рисовании персонажей старайтесь создавать эскизы с эмоциональными связями, а затем исследуйте их, пока не сможете последовательно их рисовать в различных ситуациях.
15. Запечатлите энергию
Измерение расстояния и построение объектов в точном размере, построение их из геометрических форм могут выглядеть реалистично, но также могут сделать эскиз скучным и безжизненным.
На самом деле, иногда вещь, которую хочется захватить, — это не плоский образ, а движение. Динамично развивающаяся сцена может быть красива сама по себе. Как вы набросаете рябь волн на поверхности воды, раздуваемое ветром дерево или суматошную толпу?
Хороший способ начать — набросать «потоковые линии» сцены — линии, которые показывают направления движения. Чтобы помочь понять «потоковые линии», Гарольд Спид показывает здесь, как знаменитая картина(«Рождение Венеры» Ботичелли) может быть разбита на линии движения.
Здесь линии потока не просто помогают показать объекты, которые, буквально, движутся, но они плавно соединяют движущие и неподвижные части изображения, чтобы придать им общим ритм. Посмотрите на ткань, которую держит женщина справа, разлетающуюся на ветру. Посмотрите на скетч, где показано, как линия этого движения напрямую связана с развернутой рукой ангела в левой части рисунка. Это создает общую гармонию движения на картинке.
Попробуйте включить линии потока в свои собственные эскизы, преднамеренно нарисовав движущиеся сцены. Пойдите на танцевальное шоу, спортивный матч, переполненную улицу или даже просто посмотрите, как листья за окном раздуваются ветром.
Нарисуйте линии потока, которые, по вашему мнению, характеризуют основные движения в сцене, создайте рисунок потоков. Позже вы можете добавить формы и цвета в своем динамичном эскизе.
Изображение потоков, восприятие ритма картинки также могут помочь в создании статических композиций, помогая определять то, как строится изображение и как направляющие линии соединяют все его части.
Главная мысль:
Узнайте, как создавать «потоковые линии», чтобы добавить динамику в свои скетчи.
Перевод третьей части статьи Jen Reviews «How to Sketch – 15 Tips For Better Sketches That Come to Life»
Перевод подготовила Валерия Ольховская