Вы задумывались когда-нибудь, что в живописи существует всего два основных способа создания изображения на двухмерной плоскости холста?
Это линейно-графический и живописный стили: два разных художественных подхода, каждый из которых обладает уникальными выразительными свойствами и совершенно по-разному трактует действительность.
Как отличить линейный и живописный стили? Можно сказать, что графический стиль изолирует части композиции друг от друга, живописный сливает в общую массу. Линейный стиль обладает пластической определенностью, предметы как будто можно пощупать, он более объективно трактует реальность. В живописном стиле граница, если она и есть, не совпадает с реальной линией контура и передает скорее оптический эффект. Практически можно проверить, может ли глаз скользить по контуру предмета? Если да, то это линейно-графический стиль. Если мы видим на картине, что массы словно взаимопроникают друг в друга, а композиция кажется динамичной, как будто момент выхвачен буквально на секунду, то это живописный стиль.
Нет сомнения, что сначала возник линейный подход к изображению. Хотя в природе нет никаких линий, это лишь наше абстрактное восприятие, некая условность для отделения границ предметов друг от друга, первый художественным приемом стало именно использование линии. Наскальная живопись в пещере Ласко во Франции, которая создана около 18 тысяч лет назад, является именно линейно-силуэтным изображением животных.
Долгие тысячи лет живопись развивалась в графическом стиле: древнегреческая вазопись, византийская и русская иконопись, средневековые миниатюры и проторенессанcные фрески, по сути все это разные этапы осмысления изображения, как силуэта и плоского пятна. Конечно, линейному стилю не чужда светотеневая моделировка, но все же она не превалирует над пластической формой. Даже работы Леонардо да Винчи, несмотря на сфумато, все же относятся к линейному стилю, из-за своих точно прослеживаемых контуров. И в какой-то степени он не менее графичен, чем Боттичелли.
Совершенно другой подход демонстрирует живописный стиль, который начал бурно развиваться примерно с конца XVI века, в эпоху позднего Ренессанса и зарождения Барокко. Рассмотрим картину “Святой Себастьян” 1576 года, которая относится к позднему творчеству Тициана . В этот период мастер начинает работать в совершенно новаторской манере для своего времени: он не создает четкого рисунка и последовательно раскрашивает его, а превращает свое полотно в хаотичный набор пятен, которые растирает мастихином или пальцем. Вся композиция приобретает свою форму только при отдаленном рассмотрении.
Интересно, что как только на картине обесценивается линия, появляется динамика. Линейность предполагается некоторую неподвижность, изображенные персонажи выглядят статуарно. На картинах, написанных живописно, композиция становится словно движущейся, струящейся.
Еще один пример для сравнения — два автопортрета, великих Рафаэля Санти и Диего Веласкеса. Если первый выполнен в линейно-графическом стиле, то второй в живописном. Посмотрите, как четко мы можем проследить контуры лица Рафаэля и насколько условен контур у Веласкеса, но чем дальше мы отдаляемся, тем более понятен он становится. При этом у Веласкеса есть ощущение того, что герой лишь на секунду бросил на нас беглый взгляд. У Рафаэля же поза выглядит статичной.
Как ни удивительно, живописностью может обладать не только живопись, но и графика. Сравним два рисунка, Дюрера и Рембрандта. На обоих изображена обнаженная женская натура. Рисунок Рембрандта выполнен стремительными штрихами, здесь основную роль играет свет, который высветляет одни части тела, а тень сливает другие с окружающим пространством. И едва ли можно проследить от и до силуэт фигуры. Совершенно другой подход мы видим у Дюрера, тщательно прорисованный контур четко отделяет Еву от фона. Она воспринимается отдельно от пространства, неподвижно, несмотря на динамику тела.
Но настоящий пик своего развития живописный стиль получил в искусстве импрессионистов, когда картины писались широкими небрежными мазками, и изображали не сам объект, а тот оптический эффект, который он оставляет на сетчатке глаза. «Импрессионисты писали не сами предметы, не пространство, но тот светоцветовой “покров”, ту неосязаемую светозарную субстанцию, которая по сути дела, более всего и интересовала их. Накрепко впаянная в плоскость холста, драгоценная эта субстанция растворяла в себе предметность, глубину пространства, объемы и становилась совершенно самодостаточной» писал искусствовед Михаил Герман, что наиболее точно характеризует как импрессионизм, так и живописный стиль в целом. Главенствующим в нем являются свет и тень, и можно сказать, что границы предметов определяются не их фактическими силуэтами, а взаимодействием между собой элементов композиции.
Сравним пейзаж одного из величайших импрессионистов Клода Моне, написанный в XIX веке, и знаменитого пейзажиста золотого века Голландской живописи Якоба ван Рёйсдайла, написанный в XVII веке. Оба произведения называются “Пшеничные поля”. Чем ближе мы рассматриваем произведение Моне, тем более не связанным набором разноцветных пятен оно кажется. У Рёйсдала контур четкий как вблизи, так и при отдаленном рассмотрении.
В истории искусства оба подхода получили свое развитие. Нельзя сказать, что линейный стиль уступает живописному в искусности, как это может показаться. Ведь оставаться на уровне примитивного линейного видения, и сознательно работать с линией — это вещи совершенно разные. Жан-Огюст-Доминик Энгр говорил своим ученикам: “Даже у дыма есть форма, есть линейный рисунок”.
Два этих стиля — это не что иное, как разный способ трактовки реальности. Если линейный стиль — это метод объективности пластической формы, осязательности, он показывает предметы такими, какие они есть, то живописный стиль — это метод видимости, восприятия, мгновенного впечатления.